Artistes
Le Surréalisme / Auteur: Julien
1) definition :
Le surréalisme est un mouvement littéraire, culturel et artistique de la première moitié du XXe siècle, comprenant l’ensemble des procédés de création et d’expression utilisant toutes les forces psychiques (automatisme, rêve, inconscient) libérées du contrôle de la raison et en lutte contre les valeurs reçues. En 1924,André Breton le définit dans le premier Manifeste du Surréalisme comme un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d’exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Dictée de la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale […] ».
Le surréalisme repose sur la croyance à la réalité supérieure de certaines formes d’associations négligées jusqu’à lui, à la toute-puissance du rêve, au jeu désintéressé de la pensée. Il tend à ruiner définitivement tous les autres mécanismes psychiques et à se substituer à eux dans la résolution des principaux problèmes de la vie(XXe siècle)
2) Les 3 artistes du surréalisme sont : Paul Eluard, Man Ra, Yves Tanguy
Œuvre et Objet :
Fontaine, 1917/1964
Titre attribué : Urinoir
L’original, perdu, a été réalisé à New York en 1917. La réplique a été réalisée sous la direction de Marcel Duchamp en 1964 par la Galerie Schwarz, Milan et constitue la 3e version.
Faïence blanche recouverte de glaçure céramique et de peinture
63 x 48 x 35 cm
Pascal DUGOURD
» j aime bien cette image car elle représente une jolie femme et surtout les couleurs »
Ernest Pignon-Ernest
Ernest Pignon-Ernest, est un artiste plasticien né en 1942 à Nice, vit et travaille à Paris. Depuis plus de trente ans il appose des images sur les murs des cités.Hanté par les ombres laissées sur les murs, à Nagasaki et à Hiroshima, par les corps volatilisés, il a apposé des images peintes, *dessinées, sérigraphiées sur du papier fragile, sur les murs des cités, dans des cabines téléphoniques, images qui se fondent dans l’architecture urbaine, sont acceptées par les populations qui les défendent même de leur dégradation lente (comme à Naples). Les témoignages photographiques accentuent cette fusion et en gardent les traces. Ernest Pignon-Ernest dénonce l’art construit pour les musées et les expositions, ce qui ne l’empêche pas d’y exposer.
Ernest Pignon-Ernest décrit lui-même son œuvre comme une manière de saisir l’essence d’un lieu. Il puise dans l’histoire du lieu, dans les souvenirs, mais aussi dans la lumière, l’espace. Puis, il vient y inscrire une image élaborée dans son atelier. Cette image est en général le dessin d’une représentation humaine à l’échelle 1, reproduite par sérigraphie. Pignon-Ernest installe lui-même son œuvre dans la ville, durant la nuit. Nourri par un héritage culturel mêlant chrétien et païen, Pignon-Ernest n’hésite pas à s’inspirer et à citer les œuvres de Le Caravage (comme lors de son travail dans les rues de Naples). Son art peut être également engagé, comme la fresque qu’il réalise à la Villeneuve de Grenoble sur la bourse du travail en peignant des affiches du mouvement ouvrier local.
Après son intervention contre le jumelage de Nice avec Le Cap en 1974, Ernest Pignon-Ernest a joué un rôle important dans la campagne Artistes du monde contre l’apartheid. Il a ainsi, depuis plus de vingt ans, gardé des liens étroits avec l’Afrique du Sud. Parti en 2001 pour Johannesburg avec l’intention d’y mener un projet sur le caractère multiculturel du pays, il a été amené à changer de thème en découvrant sur place la gravité de la pandémie de sida et en écoutant les sollicitations des organisations qui luttent contre l’hécatombe annoncée. Après de nombreuses rencontres dans les hôpitaux, les dispensaires, les crèches et en liaison avec les associations, Pignon-Ernest a élaboré une image, née de l’écoute de ceux qui vivent au cœur de ce drame contemporain. Sérigraphiée sur place à plusieurs centaines d’exemplaires, il l’a collée, accompagné des habitants, sur les murs des quartiers particulièrement touchés de Warwick à Durban et de Kliptown à Soweto.
« j’aime cet artiste parce que ses désins resemblent à la réalité »
Bleach
Taito Kubo, plus connu en Occident sous la transcription irrégulière Tite Kubo, de son vrai nom Noriaki Kubo, originaire d’Hiroshima, né le 26 juin 1977 , est un auteur de manga.
Étant fan de rock et tout particulièrement du groupe grunge Nirvana, Tite Kubo baptisa son second manga Bleach en référence à leur premier album, mais les références au rock ne s’arrêtent pas là. Tite Kubo y fait aussi beaucoup allusion dans les titres de ses chapitres (la plupart sont tirés de titres de chansons).
C’est en 1996 qu’une de ses nouvelles est publiée dans un numéro spécial du Shōnen Jump. Après la sortie de deux autres histoires courtes en 1997 et 1998, Zombie Powder paraît entre 1999 et 2000.
Kubo Tite a été récompensé par le cinquantième Shogakukan Manga Award (2004) décerné par Shogakukan Publishing (un très grand éditeur de mangas) dans la catégorie Shōnen.
Bleach a débuté en août 2001. Le récit commence en 2001 au Japon dans la ville fictive de Karakura. Ichigo Kurosaki, lycéen de 15 ans, arrive à voir, entendre et toucher les âmes des morts depuis qu’il est tout petit. Un soir, sa routine quotidienne vient à être bouleversée suite à sa rencontre avec une shinigami, littéralement « dieu de la mort »?), Rukia Kuchiki, et la venue d’un monstre appelé hollow. Ce dernier étant venu dévorer les âmes de sa famille et la shinigami venue le protéger ayant été blessée par sa faute, Ichigo accepte de devenir lui-même un shinigami afin de les sauver.
Cependant, le transfert de pouvoir, censé être temporaire et partiel, est complet et ne s’achève pas. Ichigo est forcé de prendre la responsabilité de la tâche incombant à Rukia Kuchiki. Il commence donc la chasse aux hollows tout en protégeant les âmes humaines.
Le début, centré sur une simple chasse aux mauvais esprits relativement peu puissant avec un simple sabre (quoique plus proche du zanbatō par ses dimensions que du katana), l’histoire va peu à peu se diriger vers un vaste complot mystico-politique après l’apparition des premiers autres shinigami. Les batailles au sabre du commencement vont alors se métamorphoser en combats dantesques avec des armes aux pouvoirs surprenants et variés, et parfois aux proportions gigantesques.
» J’ai connu cet auteur de mangas grace à des amis qui mon conseillés de regarder les dessins animés: ca m’a bien plus et je continue a suivre ce mangas. Je lis les scans sur internet chaque semaine pour savoir comment ca va se finir. »
KISHIMOTO
Kishimoto
Né à Okayama en 1974 en tant que l’ainé de deux jumeaux, Masashi Kishimoto est considéré comme l’un des plus grand mangaka et aussi comme un héro par des millions de fans. Masashi Kishimoto a accompli tant de choses dans sa carrière que certains peuvent seulement en rêver.A l’époque ou il n’était qu’un enfant, Kishimoto était fixé sur la série Doraemon, ainsi que ses amis, et tout le monde dessinait les personnages, etc. Kishimoto lui était un perfectioniste, et il montrait sans se gêner les erreurs sur les dessins des autres, et les montrant comment il fallait faire. « Maintenant que j’y pense, j’était un enfant assez chiant ! » dit Kishimoto lui-même.
j’aime bien cet artiste parce que j’aime bien le manga qu’il a inventé « naruto »
Janick Lederlé
Janick Lederlé, est une artiste peintre contemporaine.
- Elles est née en 1917. Janick Lederlé passa toute son enfance dans un milieu d’artistes. Ses parents étaient l’un et l’autre artistes-peintres et professeurs de dessin. Son père, Maurice Lederlé, est connu comme le peintre des pardons bretons et il avait notamment décoré le pavillon de la Bretagne à l’exposition universelle de 1937.
- Elle a étudié à l’école des Beaux-Arts de Paris Cette artiste peintre contemporaine est particulièrement marquée par les études d’anatomie, qui lui valent sa première médaille. Elle se souvient que les étudiants « apprenaient à observer attentivement la pose d’un modèle vivant, sur une durée de plus en plus courte (cinq minutes en fin de formation), puis à le dessiner, en une heure ou deux, en faisant apparaître tous ses os et tous ses muscles ». C’est à cette méthode, estime-t-elle, qu’elle doit la base technique et la capacité de mémorisation qui lui ont permis de peindre les ballets et qui ont structuré sa carrière.
Carrière particulièrement brillante, puisque la maîtrise et le talent de Janick Lederlé lui valent d’être très vite célébrée comme le peintre des ballets internationaux et de remporter bon nombre de grands prix et de médailles d’or, avant d’être appréciée par un large public.
- Les aquarelles de notre artiste contemporaine sont entièrement réalisées sur le vif. Les huiles sont faites dans son atelier à partir de croquis plus ou moins poussés, en renforçant la composante décorative qui, pour elle, est essentielle.
- 60 ans de carrière pour la création de centaines d’œuvres réparties sur 6 grandes thématiques : La Danse, le Maroc, la Grèce, Venise et son carnaval, l’Inde ou l’invitation au voyage, Portofino , l’Amerique latine, et bien sûr la maternité qui lui a permis de remporter le grand prix du gemmail d’art sacré..
- » J’aime cette artiste car ses couleurs donnent gout à la vie ,une gaité qui a un sens , une liberter de partage en famille. »
Viviana Giulianil’
Viviana Giulianil’ est une artiste peintre contemporaine.
- Née au Québec de parents immigrés d’Italie en 1956, Viviana est une Artiste autodidacte qui a étudié avec divers artistes connus, notamment Littorio DelSignore, durant l’automne 2002.
- À la suite de plusieurs voyages à Paris, au Louvre, au musée D’Orsay, Le Orange, etc,elle définit sa présente direction telle que démontrée dans son portfolio sur le site web. Fascinée par le tantrisme, l’amour , comme thème visuel et narratif, ses images sont centrées sur “ Le couple”. Elle les dessine abstraits ou réalistes et travaille souvent en utilisant sa fantaisie pour symboliser une esthétique axée sur les passions, les états d’âme, enveloppant le sujet comme « archétype » (original). Des séjours d’étude prolongés en Italie à l’Académie de Florence, et à AD’A accademia de l’Art, ont poussé sa créativité vers le style et l’histoire de l’art Italiens.
- Plusieurs voyages à Manhattan, ont contribué non seulement à sa formation, mais aussi à se faire connaître; elle a récemment trouvé des galeries intéressées à sa série de toiles sur le tantrisme . C’est à suivre….Viviana travaille le crayon, l’acrylique et l’huile à la recherche d’un style visuel unique, qui englobe une philosophie inspirée par le synchronisme. Son intérêt dans la nature est inspiré par la radiance et les cycles de la lune comme une métaphore de puissance d’énergie et de la sensualité .
- Le destin agit comme une syntaxe pour cette gravité entre les gens et leur nature comme des êtres psychophysiques, emblématique dans son art. Ce lien est illustré dans ses narrations qui démontrent comment les relations forment des ailes autour des rêves et leur puissance psychique pour atteindre un accomplissement.
- » J’aime bien son imagination sur les couples, sa vision des choses, comment elle définie la passion entre un homme et une femme. »
Yue Minjun
Yue Minjun (岳敏君 en chinois), est né en 1962 dans la province de Heilongjiang en Chine. C’est un artiste chinois contemporain vivant à Beijing, en Chine, connu par ses toiles le dépeignant en diverses mises en scène, figé dans un rictus hilare.
La famille Minjun a toujours travaillé dans l’industrie du pétrole. Quand Yue a six ans, sa famille déménage à Jianghan puis à Pékin alors qu’il en a dix. Après le lycée, il se rend à Tianjin puis à l’université du Hebei où il étudie la peinture entre 1985 et 1989. Dans les années 1980, il commence à peindre les portraits de ses collègues ou encore l’océan après avoir été embauché sur une installation pétrolière en haute mer. En 1989, il est particulièrement inspiré par une peinture de Geng Jianyi exposée à un salon d’art à Pékin, la toile révélant le propre visage riant du peintre. En 1990, il s’installe à Hongmiao dans le quartier Chaoyang de Pékin, où vit une communauté d’artistes chinois. Durant cette période, il réalise des portraits de ses compagnons de bohème.
Au fil des ans, le style de Yue Minjun s’est rapidement développé, celui-ci remettant souvent en question les conventions sociales et culturelles en décrivant des objets et même des questions politiques d’une manière radicale et abstraite. Il a également changé son orientation par rapport aux aspects techniques de la « notion de création pure ». Ses autoportraits ont été décrits par le théoricien Li Xianting comme « une réaction auto-ironique au vide spirituel et à la folie de la Chine moderne. » Les critiques d’art associent souvent Yue au mouvement artistique du « réalisme cynique » dans l’art contemporain chinois. Pourtant, il refuse ce labeltout en… « ne se sentant pas concerné par ce que les gens disent de lui. »
Yue réside actuellement avec une cinquantaine d’autres artistes chinois dans le village de Songzhuang.
L’une des séries les plus populaires de Yue Minjun est celle dite du « chapeau ». Cette série, représente Yue portant une variété de chapeaux — une toque de chef, un béret des forces spéciales, le casque d’un policier britannique, le masque de Catwoman, et ainsi de suite. L’artiste nous dit que la série se rapporte au « sentiment de l’absurdité des idées qui gouvernent le protocole socio-politique entourant les chapeaux. » La série illustre bien la façon dont ce personnage est universellement adaptable, une sorte de logo qui peut être attaché à n’importe quel paramètre à ajouter de la valeur.
Invité à participer à la biennale de Venise en 1999, Yue choisit de commencer la fabrication en bronze de versions sculpturales de sa signature d’auto-portraits, parodiant la célèbre armée de guerriers en terre cuite de la dynastie Qin. Alors que les sculptures sont connues pour l’individualité subtile de chacun des guerriers, la version moderne les représente strictement identiques, jetés dans le même moule. Cette participation l’a rendu célèbre et lui a ouvert les portes du marché international de l’art.
Dans Noah’s Ark, six autoportraits de Yue sont assis dans un petit bateau à rames sur une mer bleue, accroupis ensemble, serrant les genoux en hurlant dans un rire silencieux. Dans Solar System, trois Yue identiques sont représentés « caquetant » au bas de la toile, chacun vêtu seulement de sous-vêtements, des plantes géantes tournoyant derrière eux dans l’espace.
» J’apprécie cet artiste parce que ses oeuvres montrent de la joie »
Liens vers le site de l’artiste
O.S.O
O.S.O est ARTISTE PEINTRE NE LE 19/07/1965 A CREUTZWALD.
» L’ART ABSTRAIT IDÉAL AUX QUALITÉS RÉELLES DE COMPRÉHENSION… » Dans une vision du monde où conjugue, fictions et futur,l’Artiste Peintre, œuvre au présent, par son couteau, dans ses peintures. Au terme évident d’un monde ‘ART ABSTRAIT‘de conception, ce regard le conforte à rendre concevables toutes interprétations. Sombre ou multicolore, l’émanation se précise dans l’ombre de la lumière, aux descriptifs ‘anachroniques’, ancestrale de modernité et d’âge de pierre. Ses titres évocateurs capitalisent des emblèmes codés, faisant très souvent l’appellation en connotation du langage‘FRANGLAIS‘. Généreuses et techniques, ses créations dépendent de sa source d’inspiration, éconduit de tous messages à passer, libres de toutes contradictions. Chaque épreuve témoigne que cet autodidacte à quelque chose à exprimer, que seul l’Art se réserve à rendre supportable sans paradoxe ni préjugé. En application à ses pensées, ouvertes sur la curiosité et l’observation, son exigence implique de retranscrire une positive sélection. Sensible à tous projets nouveaux, sans jamais rien en attendre, il puise sa source, là où personne ne peut l’atteindre, ni le comprendre…
En Europe, l’Allemagne, conforte son univers,par ses vernissages dans de prestigieuses salles d’expositions. La France concrétise son talent artistique, classé depuis nombreuses années chez Drouot Cotation.
L’Altruiste laisse libre court à vos envies. Tout peut être réalisé, une œuvre adaptée, une commande sur mesure,fidèle à sa propre nature, qu’importe la réalité de l’Art Abstrait dans sa peinture. Un choix infini d’imagination aux images détournées dans l’avenir de l’homme,où reflète dans son miroir le véritable stade, tout simplement de ce que nous sommes..
» Cet artiste me plait car il est prècis dans ces dessins et peinture meme si il laisse libre cour à son imagination. »
E2C: Arts Plastiques 